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Lyon : « Beyrouth et les Golden Sixties »

2022-10-27T09:55:39Z

Créée en 1991, la Biennale de Lyon s'affirme aujourd'hui, après plus de trente années d'existence, comme la plus importante manifestation en France consacrée à l'art contemporain et un temps fort dans l'agenda des événements majeurs à l'échelle mondiale.

“Beyrouth et les Golden Sixties“. Vue d'exposition avec l'œuvre de Nicolas Moufarrege « Le sang du phoenix », 2022

Gropius Bau © photo Luca Girardini

Imaginée par les commissaires Sam Bardaouil et Till Fellrath comme un “manifeste de la fragilité”, la 16e édition de la Biennale d'art contemporain de Lyon affirme la fragilité comme intrinsèquement liée à une forme de résistance, initiée dans le passé, en prise avec le présent et capable d'affronter l'avenir. “manifesto of fragility“ est structuré en deux axes distincts qui viennent illustrer la question de la fragilité abordée par la Biennale. L'axe horizontal, géographique, présente les contributions de plus de 80 artistes contemporain·e·s originaires de 39 pays, qui abordent le thème de la fragilité dans une grande diversité de pratiques artistiques. L'autre, vertical, chronologique, propose plus de 100 objets et œuvres d'art couvrant deux millénaires d'histoire, prêtés par plusieurs collections de Lyon et d'ailleurs.

En complément de ces deux axes, la Biennale fait également une incursion dans le contexte tumultueux, et pourtant considéré comme un âge d'or, des années 1960 à Beyrouth, avec 230 œuvres réalisées par 34 artistes et plus de 300 documents d'archives issus de près de 40 collections à travers le monde. Cette partie de la Biennale revêt une importance toute particulière compte tenu des liens et interactions historiques entre les villes de Lyon et de Beyrouth, centrés autour du commerce de la soie au XIXème siècle, puis du mandat français en 1920.

Du 14 septembre au 31 décembre 2022

Prangins : Festival Baroque

2022-09-01T09:45:32Z

Le festival “Prangins Baroque“ annonce quatre concerts qui se dérouleront dans plusieurs lieux. Coup d'œil sur la programmation et sur les œuvres baroques qui seront servies.

Marijana Mijanović

Mardi 6 septembre à 20h / Temple de Prangins
Œuvres d'Archangelo Corelli, Domenico Scarlatti et Antonio Vivaldi, avec Marijana Mijanović, contralto, Emmanuel Resche Caserta, violon baroque, Jory Vinikour, clavecin, et les danseurs Marie-Nathalie Lacoursière et Pierre-François Dollé.

Mercredi 7 septembre à 10h / Les Morettes
Concert original et “scolaire“. Qu'est-ce que la musique baroque ; laissez-vous entraîner durant une heure par une comédienne, deux danseurs et les musiciens qui vous emmèneront à la découverte de la musique baroque, ses compositeurs et les œuvres marquantes.

Samedi 10 septembre à 20 + dimanche 11 septembre à 19h30 / Cour du Château de Prangins
Lors de deux soirées, les jeunes talents se produiront avec le soutien de leurs mentors, présentant le travail effectué durant la semaine dans le cadre magnifique de la Cour du Château de Prangins. Le public pourra apprécier les chefs-d'œuvre de compositeurs baroques italiens comme Alessandro et Domenico Scarlatti, Archangelo Corelli, Agostino Steffani et Antonio Vivaldi dans un environnement historique de l'époque baroque !

Des ateliers - par exemple un atelier Clavecin, ou un atelier Vocal. et même un atelier de danse baroque ! - compléteront les festivités, sans oublier une rencontre avec les artistes et mentors de cette édition.

Du 6 au 11 septembre 2022

Billetterie : https://etickets.infomaniak.com/shop/blmh1PNFXz/

Berne : Paul Klee. De l'engouement pour la technologie

2022-09-01T09:28:55Z

Le Centre Paul Klee inaugure une nouvelle exposition qui met en lumière l'influence de la technologie sur les œuvres de Paul Klee. Comme c'est le cas pour nous à présent, l'artiste a vécu à une époque caractérisée par d'importantes transformations technologiques

Paul Klee « Destruction et espérance » 1916

Lithographie acquarellée, 40,5 x 33 cm.Collection privée

Appareils – automates – figures géométriques : Les nouvelles découvertes qui ont marqué le tournant du XXe siècle et provoqué une révolution industrielle ont transformé la société de fond en comble. Les rayons X, le téléphone et l'électricité ont remis en question la perception que les êtres humains avaient de la matière, de l'espace et du temps, et ont mis fin à la vision du monde qui régnait jusqu'alors. Ce bouleversement a également suscité la réaction d'artistes tels que Paul Klee. Les uns, qui avaient foi en le progrès, ont trouvé un langage artistique approprié dans des structures constructivistes, tandis que d'autres aspiraient à une authenticité inaltérée.

Paul Klee a épousé ces deux approches. Il a toutefois abordé l'euphorie suscitée par le développement technologique avec une distance critique, et commenté celle-ci dans de nombreuses œuvres.

L'exposition qui se tiendra cet automne montre comment Paul Klee a appréhendé les innovations technologiques de son époque dans son œuvre : Le cinéma et la photographie, la dynamique et l'accélération, les rayons X et la microscopie, le constructivisme et la géométrie ainsi que l'automatisation à l'aide de machines et de robots sont des phénomènes que nous rencontrons dans l'œuvre de Paul Klee. L'exposition montre comment l'artiste a analysé de manière pertinente cette période de renouveau, partagée entre tradition et modernité avec un regard critique et souvent un clin d'œil.

Du 3 septembre 2022 au 21 mai 2023

Avignon : Jean Charles Blais

2022-09-01T09:12:05Z

Dans l'exposition réalisée par l'artiste pour la Collection Lambert, les figures et les formes instaurent des récits suspendus où les corps — leurs ombres ? — accolés l'un à l'autre, enlacés ou alanguis, inventent des scénarios qui envahissent les salles de l'hôtel particulier du XVIIIème siècle tels les fantômes de nos vies passées ou à venir.

Devant la chapelle qui lui sert d'atelier dans le sud de la France, Jean Charles Blais accumule les matériaux — souvent des tas d'affiches prélevées à même l'espace public — pour les laisser éprouver un moment encore le passage du temps. Une plage de couleur, une déchirure, une forme particulière ou fortuite, serviront à initier un nouveau dialogue sensible entre l'artiste et ce qui constitue désormais à la fois le support et le sujet de ses expérimentations. Il peint, gratte, découpe ou sculpte dans la masse des couches de papiers agglomérées pour en excaver méticuleusement les contours de corps enfouis, dont il préserve toute la préciosité. À nos côtés, Ils persistent et résistent face à l'oubli, « à l'évanouissement des formes » pour reprendre les mots de l'artiste.

L'exposition présentée à la Collection Lambert a été conçue autour d'un ensemble d'œuvres réalisées spécialement pour l'institution avignonnaise durant le printemps 2022. À travers l'événement, l'artiste poursuit la relation de travail et d'amitié initiée avec Yvon Lambert dans sa galerie parisienne il y a quarante ans, en 1982.

Jusqu'au 9 octobre 2022

La Chaux-de-Fonds : « Éclat de verre »

2022-08-31T14:26:57Z

À l'occasion des 150 ans de l'École d'arts appliqués de La Chaux-de-Fonds et en cette Année Internationale du Verre proclamée par les Nations Unies, “Éclat de verre“ présente les techniques ancestrales de l'émail appliquées à la décoration horlogère.

Anonyme. début 19e.

Collection Edouard et Maurice Sandoz © FEMS. Photo Renaud Sterchi

Qu'il soit cloisonné, champlevé, peint, opaque, transparent ou opalescent, l'émail fascine depuis des siècles. Sous l'apparente simplicité de sa composition – du verre et des oxydes métalliques – se cache toute l'adresse des émailleuses et des émailleurs qui doivent en maîtriser la préparation, l'application et la cuisson au four. Aujourd'hui encore, la décoration d'une montre avec de l'émail s'apparente à de l'alchimie et conserve ses parts de secrets.

Dans la directe continuité de Transmissions, l'exposition met en lumière l'art de l'émail sous ses plus hauts atours grâce au prêt de nombreuses institutions prestigieuses suisses et internationales, tout en soulignant les enjeux passés et actuels de la formation des émailleuses et des émailleurs au travers de la collection d'arts industriels de l'École.

“Éclat de verre“ confronte les chefs-d'œuvre réalisés par les artisan·e·s à leurs commanditaires, la simplicité de la matière à la grande complexité de sa maîtrise, et l'attrait actuel des objets horlogers émaillés à l'absence de filière d'apprentissage bien établie.

Jusqu'au 6 novembre 2022

Paris : Sally Gabori

2022-08-31T14:18:39Z

La Fondation Cartier pour l'art contemporain présente la première exposition personnelle de l'artiste aborigène Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori hors de l'Australie.

Sally Gabori « Thundi », 2010

Collection privée, Melbourne, Australie. Photo © Simon Strong

Considérée comme l'une des plus grandes artistes contemporaines australiennes de ces deux dernières décennies, Sally Gabori commence à peindre en 2005, vers l'âge de 80 ans, et atteint rapidement une renommée artistique nationale et internationale. En quelques années d'une rare intensité créatrice, jusqu'à sa disparition en 2015, elle élabore une œuvre unique aux couleurs vibrantes sans attache apparente avec d'autres courants esthétiques, notamment au sein de la peinture aborigène contemporaine.

Réunissant une trentaine de peintures monumentales, l'exposition est réalisée en étroite collaboration avec la famille de l'artiste et la communauté kaiadilt, ainsi qu'avec les plus grands spécialistes de l'art et de la culture kaiadilt. Ils seront présents à Paris à l'occasion de son inauguration pour rendre hommage à cette artiste dont l'œuvre fascine par son caractère spontané, lumineux et profondément original.

Du 3 juillet au 6 novembre 2022

Cine Die - septembre 2022

Raymond SCHOLER — 2022-08-31T13:52:40Z

Tour d'horizon de la programmation que proposait le 21e Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF).

Le premier NIFFF exempt de restrictions sanitaires a dépassé tous les records d'affluence, avec plus de 50'000 festivaliers. Le nombre de films réalisés par des femmes a augmenté, il représente maintenant presque le quart des titres. Le festival se targue d'avances sympathiques en direction de la communauté LGBTQI+ en lançant la section « Scream Queer », composée d'un choix très subjectif (par Javier Parra) de 16 films d'horizons et d'époques divers, où l'on retrouvait aussi bien Hitchcock ( Psycho ) que Harry Kümel ( Les Lèvres Rouges ), les Wachowski (encore frères à l'époque de Bound ) que Clive Barker ( Nightbreed ). De quoi faire frétiller des cinéphiles débutants. Cette mini-rétro nous a permis la découverte du chef-d'œuvre queer du cinéma muet, Salomé (1922) (d'après la pièce d'Oscar Wilde) de Charles Bryant, que nous avons dégusté avec délectation. L'Anglais Bryant était le « mari de convenance » de la Russe Alla Nazimova depuis 1912. Les deux comédiens étaient homosexuels et jouaient ensemble depuis 1916.

Earl Schenck et Alla Nazimova dans « Salomé »

Salomé fut le troisième et dernier film que Bryant dirigea pour sa partenaire. La mise en scène frontale se déplace de la salle du trône d'Hérode, où débute l'action, sur la gauche où est érigée une cage grillagée qui héberge Jean le Baptiste. L'esthétique des décors et des costumes est fortement influencée par les dessins art nouveau d'Aubrey Beardsley. La quadragénaire Nazimova a un corps extrêmement menu et se gargarise d'incarner une jouvencelle en tenue très courte et provocante, coiffée par un tapis de perles (scotchées à des mèches) qui ondule au moindre mouvement de tête, transmettant à merveille les moues de refus, de dégoût ou de pâmoison. Au début Hérodiade, arborant sans conteste la tignasse la plus informe et horripilante du cinéma, maudit sa fille dont la simple présence allume les ardeurs indues de son mari, mais finit par la féliciter lorsqu'elle requiert la tête du prophète qui n'a pas seulement refusé son baiser, mais aussi voué sa mère aux supplices de l'enfer. La danse des 7 voiles se fait à l'envers, l'objet de tant de convoitise est plus couvert à la fin qu'au début. Les jalousies queer se manifestent constamment entre les personnages masculins de la garde et les pages royaux. Les désirs sont littéralement, selon la formule consacrée, exacerbés. Et quand Salomé embrasse goulûment la bouche de la tête coupée, le dégoût du tétrarque est instantané et les javelots tueurs percent illico l'infâme pour le coup de grâce.

Compétition Internationale
De Men d'Alex Garland, nous avons déjà signalé, dans notre numéro précédent, tout le bien qu'il faut en penser.

Natalia Solián dans « Huesera »

Huesera de la Mexicaine Michelle Garza Cervera nous plonge dans la psyché d'une femme enceinte qui, à mesure que sa grossesse avance, est de plus en plus tourmentée par des visions terrifiantes qui lui font questionner son choix de maternité, choix qu'elle a cautionné par le pèlerinage exténuant– catholique ou païen, ne demandons pas de détails, mais bien pénible avec ses 700 marches à gravir – vers la Vierge de Guadalupe à Ocuilan, au tout début du film. Cette statue dorée monumentale de 33 m de haut, érigée à flanc de montagne dans une nature luxuriante en 2018, devrait assurer aux futures mères une conception et une grossesse épanouies, mais dans le cas de Valeria il a dû y avoir un défaut de communication. Peut-être que la Vierge avait quelque chose à redire à la vie passée de la suppliante. Nous découvrons en effet que Valeria avait une autre philosophie de vie quand elle était étudiante, punk et tondue de près, et filait le parfait amour avec une autre jeune femme, Octavia. « Surtout pas de domesticité » était leur slogan. Et voilà qu'au début de sa grossesse, elle rencontre Octavia par hasard, comme pour lui rappeler la félicité d'antan. D'ailleurs, tant sa mère que sa sœur ne sont pas convaincues par le désir de maternité de Valeria et lui rappellent qu'elle avait gravement failli comme baby-sitter pour le fils du voisin. Elle perd du poids, ce qui est le comble pour une femme enceinte. Elle se sent de plus en plus étrangère dans son corps, comme cassée en deux : en toute occasion, elle redresse bruyamment les phalanges de ses mains, ce qui agace bien son mari. Architecte d'intérieur, elle insiste pour construire elle-même le berceau en bois, mais voit dans les barreaux de celui-ci vite un symbole d'emprisonnement. La naissance du bébé n'arrange rien : elle lui tourne le dos, et lorsqu'elle vit le cauchemar de l'avoir abandonné dans le frigo, elle sait qu'elle doit le confier à son mari et se réfugier ailleurs. Pour son premier rôle (au cinéma), l'actrice Natalia Solian est dans tous les plans (puisque nous sommes dans sa tête), avec une présence, une expressivité sans faille, et on a rarement assisté à un aussi fracassant début de comédienne.

« Blaze » de Del Katryn Barton

Blaze de l'Australienne Del Kathryn Barton opte pour un traitement semblable. Le sujet, en l'occurrence, est la sidération dans laquelle est plongée une ado de 13 ans qui est témoin, en plein jour, dans un chemin privé entre des maisons cossues, du viol et du meurtre d'une femme par un homme qu'elle semblait connaître. Sidération qui l'empêche de témoigner utilement dans le procès intenté au meurtrier. Nous sommes à nouveau dans la tête de l'intéressée et découvrons avec émerveillement le monde fantastique qu'elle s'est créé pour digérer les traumatismes de l'enfance, notamment un grand dragon (il remplit toute sa chambre) fait de plumes et de tissus multicolores dans les bras duquel elle se love quand la peine la subjugue. Hélas, les détails somptueux que la mise en scène consacre à cette bestiole affabulée ainsi que la mimique immuablement butée de la jeune comédienne amoindrissent la portée que la cinéaste entendait manifestement attribuer à ce film explicatif.

Claudio Santamaria, Pietro Castellito et Giancarlo Martini dans « Freaks Out »

Freaks Out de l'Italien Gabriele Mainetti ose avec succès une épopée ultra romantique de super héros à la sauce transalpine, sur fond de persécution de juifs dans la péninsule, à mille lieues des bêtises Marvel. Un petit cirque de province exhibe ses quatre merveilles : un homme couvert de poils comme Jean Marais dans La Belle et la Bête de Cocteau et d'une force à soulever un taureau, une jeune fille chargée électriquement à bloc, capable d'allumer une ampoule avec la langue, un nain onaniste dont le corps entier est un aimant et un grand dadais qui commande aux essaims d'insectes. Le directeur de cette entreprise familiale, Israel, est arrêté par les SS avant d'avoir pu organiser le transfert de ses ouailles vers des cieux plus cléments. À sa recherche, les quatre phénomènes atterriront dans les mains de Franz, directeur du cirque Berlin (dont l'entrée monumentale figure la bouche grande ouverte d'Adolf), un nazi fanatique, né avec 12 doigts et capable de deviner le futur dans des visions impromptues (on voit notamment le dessin d'un i-phone dans son tiroir secret). Comme il a aussi entrevu la chute du Reich, il espère qu'une cohorte d'individus aux pouvoirs spéciaux pourrait l'aider à empêcher une telle éventualité. Il est donc ravi de voir arriver la bande des 4 à la recherche de leur maestro. Du cinéma populaire de haute tenue, avec des héros au cœur gros comme ça et des méchants qu'on aime à faucher à la douzaine.

« Nr.10 » d'Alex van Warmerdam

No.10 est ainsi nommé parce qu'il s'agit du 10e film d'Alex van Warmerdam. Il eût été très difficile de trouver un titre plus matériel sans vendre la mèche. Car la première moitié du film n'a quasiment rien à voir avec la seconde. Seule chose commune : les cadrages sobres et le style très sec de la direction d'acteurs, des constantes de tous les films du maestro hollandais. Les comédiens sont presque figés et articulent leurs dialogues avec soin. Sans cependant pousser vers l'abstraction bressonnienne. Cela démarre avec une répétition d'une pièce de théâtre, où on décèle vite les petites jalousies personnelles entre comédiens, puis on apprend que Günter, un de ceux-ci, couche avec la femme du metteur en scène et un peu plus tard ce dernier l'apprend aussi et, de rage, enlève à l'acteur adultère sa base de sustentation. La situation est surveillée par l'évêché qui invite Günter, qui se trouve soudain sans fonds ni demeure, à un entretien pour découvrir la vérité sur son origine. Il est en fait un extraterrestre de Lunador, déposé, enfant, sur notre planète pour voir si les deux populations pouvaient se mélanger. Comme il est le seul homme avec un poumon unique sur la Terre, l'Eglise catholique, avec les moyens tentaculaires à sa disposition, pouvait le retrou-ver sans problème et l'embrigade maintenant pour porter la bonne parole sur sa planète d'origine. Il est feu et flamme pour rentrer sur son astre, mais, tout comme ses coreligionnaires, qui ont pris soin du vaisseau spatial enseveli, pendant tant d'années, un laïcard convaincu. La plus belle séquence est celle où il débarrasse l'astronef de tous ceux qui se proposaient d'aller fonder une mission sur Lunador. Un sort que l'on souhaiterait à Kirill, le patriarche crétin de l'orthodoxie moscovite.

Third Kind
Et maintenant je vais commettre un crime de lèse-majesté et affirmer tout haut que le nouveau Diabolik ! des frères Marco et Antonio Marinetti est une meilleure adaptation des fumetti créées en 1962 par les sœurs Angela et Luciana Giussani que le classique tant vanté de Mario Bava (1968), trop alourdi de pacotille. La reconstitution pointilleuse des années soixante, avec nul effet spécial incongru pour briser le charme, la parfaite adéquation entre comédiens et personnages, tout concourt à une aventure aussi saisissante dramatiquement qu'esthétiquement. Luca Marinelli campe le personnage titulaire avec une impavidité sculpturale (le regard bleu acier et la chevelure circonscrite au cordon font des merveilles) qui ne s'estompe qu'en face de sa pulpeuse partenaire, l'envoûtante Miriam Leone.

Miriam Leone et Luca Marinelli dans « Diabolik ! »

Les Nuits de Mashhad/Holy Spider est le 3e film de l'Iranien Ali Abbasi, connu pour son dérangeant Gräns (2018), sur une espèce humaine plus que sapiens, apte à sentir la honte cachée chez autrui. Comme le titre français l'indique, c'est aussi le premier film de l'auteur sur son pays natal. Il fut bien sûr tourné en Jordanie, car il évoque la mise hors circulation du tueur en série Saeed Hanaei, qui avait pour terrain de jeu la ville sainte de Mashhad, au début du millénaire. Chacun sait que pour les dirigeants de cette belle théocratie qu'est l'Iran, les prostituées ne méritent pas de vivre ! C'est ce que met en exergue la fin du film quand on voit le jeune fils de l'assassin défendre bec et ongles la croisade morale de son père (exécuté pour faire bonne figure vis-à-vis de l'étranger) et se réjouir de prendre bientôt la relève en montrant, sur la personne de sa petite sœur, comment il se propose de procéder pour mettre fin à cette « corruption » tant haïe par Allah. La mi-sogynie érigée en principe fondamental.

Ultra Movies
Ach du Scheisse ! de l'Allemand Lukas Rinker est le meilleur survival depuis longtemps, car il combine les affres de mourir avec le confinement dans un endroit peu reluisant (une cabine de toilette mobile) et une inexorable minuterie. Le héros, si on ose l'appeler ainsi, se réveille couché sur le dos dans ladite cabine, avec une tige métallique plantée dans son avant- bras et le fixant à la cloison. On entend un promoteur de chantier annoncer par haut-parleur qu'il reste 80 minutes avant le dynamitage du site pour inaugurer les travaux. Admirable utilisation de la règle des trois unités, le film est construit de main de maître, aménageant constamment un peu d'humour sans tomber dans la gaudriole, si agaçante dans le cinéma hexagonal.

Thomas Niehaus dans « Ach du scheisse ! »

Navets de festival
Les Américains Justin Benson et Aaron Moorehead m'ont convaincu avec leur nouvelle logorrhée Something in the Dirt de la vacuité essentielle de leur cinéma : rien ne les intéresse autant que s'entendre déblatérer. Le sujet littéralement ne compte pas.

« Babysitter » de Monica Chokri

Babysitter de la Canadienne Monia Chokri essaie de faire de l'humour à propos d'attitudes soi-disant sexistes, de mâles rongés de remords et de metooismes en vogue et aboutit à un film gauche et sinistre.

Raymond Scholer

Vernier : Aperçu de la saison 2022-2023

2022-08-31T09:25:32Z

Comme beaucoup de salles genevoises, le Service culturel de Vernier a collaboré avec La Bâtie-Festival de Genève fin août-début septembre, avant de commencer sa nouvelle saison.

Phanee de Pool

Le Service culturel de Vernier débute sa saison en accueillant, le 15 septembre, le nouveau spectacle de l'humoriste Alex Vizorek, Ad Vitam. Puis Phanee de Pool, une des plus belles révélations musicales en Suisse romande, accompagnée d'un orchestre classique, nous livre le 22 septembre un concert frais et puissant où se relayent poésie, dérision, joie et beaucoup d'émotions. C'est la danse qui clôt le mois de septembre, avec la venue de Patricia Guerrerro, l'une des danseuses de flamenco les plus talentueuses, les plus originales et prometteuses de sa génération, le 29 septembre, avec Distopia.

Le 15 octobre retentira la musique de trio constitué de Vincent Peirani accompagné par le guitariste Federico Casagrande et Ziv Ravitz, batteur israélien. Cette formule cosmopolite, intitulée Joker, s'autorise toutes les musiques. Le 20 octobre, place à Lili Elbe Show, un ballet en un acte créé par Simone Repele et Sasha Riva, deux chorégraphes de talent qui, à travers leur pièce, abordent les thèmes de la tolérance et de l'acceptation de la transformation. Avec Les petits Touts, Fabien Coulon, circassien d'objets et mime... invite parents et enfants, les 29 et 30 octobre, à s'émerveiller à travers son regard face aux petits riens à côté desquels nous passons sans doute mais qui font de grands petits touts !

Suivra le 6 novembre une séance de “Cirque • Danse • Alpinisme“ intitulée White Out, et proposée par Piergiorgio Milano. Les Fouteurs de Joie sont de retour le 11 novembre pour un grand concert mêlant chansons populaires et exigeantes. Les Fouteurs de Joie, c'est de la chanson à voir, autant qu'à entendre. De la chanson spectaculaire. Le 19 novembre, place au Quatuor Debussy et à la chanteuse Keren Ann, qui, ensemble, se jouent des frontières, souvent arbitraires, érigées entre les différents genres musicaux. Après Virginie Fortin et ses “Sentiments“ (22 novembre), Elvett et Simon Aeschlimann offre un conte électro-pop sous le titre Sinus & Disto (26 et 27 novembre).

En décembre, il y aura Annie Lalalove (9 décembre) suivie du Voyage De Mô par la Cie Deux fois Rien (10 et 11 décembre), puis du “Chemin vers le Parnasse viennois“, soit le parcours personnel et musical de Johann Adolph Hasse (1699-1783) que les spectateurs chemineront en compagnie de l'Ensemble Tenemos et de Capucine Keller (18 décembre).

Billetterie : http://www.vernier.ch/billetterie

Cine Die - août 2022

Raymond SCHOLER — 2022-08-02T09:13:30Z

Regard sur le parcours de Kinuyo Tanaka, star et réalisatrice japonaise.

Mie Kitahara, Yoko Sugi et Hisako Yamane dans « La lune s'est levée »

Pour le 73e festival de Locarno en 2020, Lili Hinstin avait programmé une rétrospective de l'œuvre stimulante de Kinuyo Tanaka (1909-1977, plus de 250 films au total), qui a marqué le 20e siècle du cinéma japonais, puisqu'elle fut star du muet, égérie des plus prestigieux cinéastes du pays (25 films pour Heinosuke Gosho, 18 pour Yasujiro Shimazu, 14 pour Kenji Mizoguchi, 10 pour Keisuke Kinoshita, 10 pour Yasujiro Ozu, 5 pour Mikio Naruse), vedette de télévision et, last but not least, réalisatrice (6 films entre 1953 et 1962). Le Covid-19 a contrecarré tous ces beaux projets et Madame Hinstin a été remplacée comme directrice artistique. Le festival Lumière 2021 a heureusement pris la relève, mais une relève chiche : seulement 3 films réalisés par Madame Tanaka. En 1989, le National Film Theatre de Londres avait déjà montré ses six films de réalisatrice, mais le reste du continent n'y a pas donné suite, sans doute à cause de sous-titres exclusivement anglais. La Cinémathèque française avait pourtant montré, à l'occasion de sa monumentale rétrospective « Le cinéma japonais de ses origines à nos jours », début 1984, deux de ses films, La lune s'est levée (1955) et Mademoiselle Ogin (1962). Avec 200 films au compteur, Tanaka avait suffisamment expérimenté les tournages pour estimer qu'elle serait capable de réaliser un film elle-même. La quarantaine atteinte, elle ne pourrait de toute façon plus jouer les héroïnes amoureuses. De plus, elle avait en 1949 visité les États-Unis et Hollywood en ambassadrice de bonne volonté et rencontré Bette Davis (à qui elle a offert un kimono) et Joan Crawford, et appris qu'Ida Lupino était en train de réaliser son premier film. Mais quand, en 1953, Tanaka annonce qu'elle va passer derrière la caméra, l'incrédulité est de mise dans les studios. En 1952, ceux-ci ont produits 278 longs métrages, tous dirigés par des hommes. Mizoguchi, le chantre de la femme opprimée, lance une campagne de dénigrement : « Tanaka n'a pas suffisamment de cervelle pour être réalisatrice ».

Hiroko Kawasaki, Yumeji Tsukioka et Yoko Sugi dans « Maternité éternelle »

Kaneto Shindo, son assistant, est chargé de colporter cet avertissement. Plusieurs cinéastes, à commencer par le trio Naruse, Gosho et Ozu, apportent alors leur soutien à Tanaka. Entre Naruse et la star, une vraie complicité s'est installée depuis La Mère (1952). Naruse accepte que Tanaka devienne sa stagiaire sur Frère et sœur (1953). Elle accomplit ce travail avec une telle passion que le cinéaste l'adoube : « Vous feriez n'importe quelle tâche [de la fabrication d'un film] avec beaucoup de courage. » À l'automne 1953 commence le tournage de Lettre d'amour , premier long métrage dirigé par une femme après la guerre. Mizoguchi fulmine. Magnifique portrait du Tokyo d'après-guerre, le film raconte la réconciliation d'un homme à la dérive avec lui-même. Incarné par le charismatique Masayuki Mori, Reikichi vient de retrouver par hasard Michiko, qu'il a aimée avant la guerre. Mais il ne peut pas accepter qu'elle ait pu le tromper avec un GI pour survivre. Tout traumatisme a besoin de temps pour guérir. Et les hommes sont tellement plus chochottes que les femmes. Avec La Lune s'est levée (1955), Tanaka adopte un scénario inédit de son ami Ozu. Chishu Ryu incarne le père de la famille Asai, qui voit ses filles partir une à une. L'aînée vient de perdre son mari. La cadette espiègle, jouée par Mie Kitahara (à laquelle Tanaka a donné un Audrey Hepburn touch après avoir vu Sabrina (Billy Wilder, 1954), fomente avec le jeune frère du défunt d'amusants complots pour trouver un mari à la sœur du milieu. La maison familiale et les alentours deviennent un délicieux terrain de jeux où, au nom de l'amour, on se cache, on se cherche, en dissimulant bien sûr ses sentiments.

Atsuko Kindaichi dans « La Princesse errante »

Après ce premier chef-d'œuvre de Tanaka, Maternité éternelle (1955) est le second. C'est un hommage à la poétesse Fumiko Nakajo, une gloire du tanka, sorte d'ancêtre du haïku. Nakajo fut adoubée par Kawabata lui-même. Elle est morte, à 36 ans, d'un cancer du sein. Elle vécut à l'hôpital une histoire d'amour passionnée avec le journaliste Wakatsuki qu'il raconte dans son livre Les Seins éternels (1955). L'audace du film surprend encore aujourd'hui, avec cette héroïne sublime et tragique (jouée par Yumeji Tsukioka) qui ne faiblit jamais et assume jusqu'au bout son désir. Pour son film suivant, en couleurs et en Cinemascope, Tanaka jette son dévolu sur les mémoires de Dame Hiro Saga, parues sous le titre La Tragédie de la cour de Mandchourie , voyant dans les vicissitudes de la vie de la belle-sœur japonaise de l'empereur Puyi l'occasion de raconter un destin de femme hors du commun. La Princesse Errante (1960) sera malheureusement incarnée par Machiko Kyo, à l'époque la femme japonaise la plus connue au monde, que j'ai toujours trouvée, pour ma part, trop apprêtée. Mais le film est une splendeur pour la simple raison que plus personne n'en fera de ce type-là. Après avoir tant joué la victime des hommes, son rôle de prédilection,Tanaka a présenté dans ses films de cinéaste des femmes debout face à l'adversité et obstinées dans leur volonté de s'affranchir.
L'éditeur Carlotta sortira les 6 films de Tanaka cet automne en bluray et j'espère vous avoir mis l'eau à la bouche.

Bon été

Raymond Scholer

Évolène : Festival des Haudères

2022-07-26T14:06:31Z

Cette 20e édition convoque un bouquet de musiciens talentueux qui, pour la plupart, ont déjà réjoui les auditeurs fidèles ou de passage lors des éditions précédentes. Grâce à ces artistes, le festival célèbre son histoire musicale et consolide sa position de manifestation incontournable dans le paysage culturel de la région.

Des œuvres instrumentales et vocales d'une grande diversité, composées aux quatre coins de l'Europe du XVIe au XXe siècle, feront le bonheur des connaisseurs comme des amateurs curieux de découvrir des musiques riches de mélodies, de rythmes et d'harmonies.

Natalie Dessay

La programmation annonce la venue de Finghin Collins, piano (sam 30 juillet), de Maria Flores, soprano & Monica Pustilnik, archiluth et guitare (dim 31 juillet), de Chouchane Sinarossian, violon, Balázs Máté, violoncelle et Leonardo García Alarcón, clavecin lun (1er août), du Quatuor Hanson avec Natalia Auli, hautbois (mar 2 août), de Philippe Cassard et Cédric Pescia, pianos (mer 3 août), de Natalie Dessay, chant et narration, Shadi Diluka, piano et Pierre Fouchenneret, violon (jeu 4 août), du Quatuor Terpsycordes avec Mathis Rochat, alto et François Grin, violoncelle (ven 5 août).

Quatuor Terpsycordes

Pour le concert de clôture (sam 6 août à 18h et 20h), de nombreux musiciens arpenteront la scène : Damien Bachmann, clarinette, François Rieu, cor, Donation Bachmann, basson, sans oublier le Quatuor Terpsycordes avec Sylvia Minkova, contrebasse, et François Grin, violoncelle.

Comme on peut le constater, cette cuvée anniversaire s'annonce prometteuse !

Du 30 juillet au 6 août 2022

Billetterie : https://www.booking-corner.com
Achat à l'office du tourisme d'Évolène (Place du Clos Lombard 6, 1983 Évolène)